As musas das grandes obras de arte nem sempre levaram a vida romantizada que imaginamos, como os exemplos descritos em um novo livro.
Em seu novo livro, Muse: Uncovering the Hidden Figures Behind Art History’s Masterpieces, Ruth Millington analisa a vida de 29 pessoas que inspiraram grandes obras de arte, incluindo algumas figuras inesperadas e negligenciadas. Abaixo está uma seleção de cinco casos, mostrando a amplitude de pessoas exploradas no livro de Millington.
Dora Maar
Apesar de ser uma artista e fotógrafa talentosa, Dora Maar foi, inevitavelmente, ofuscada por seu amante Pablo Picasso, que a retratou mais famosa como a Mulher Chorando (1937). Eles aparentemente se conheceram em um café parisiense depois que Picasso viu Maar “jogando um jogo no qual ela enfiava um canivete entre os dedos na madeira da mesa”, escreve Millington. Millington continua: “Se a lenda de seu encontro é inteiramente verdadeira ou não, não sabemos, mas ela ilustra seu caso de nove anos emocionalmente carregado, criativo e tumultuado”. Embora Weeping Woman – pintada um ano depois daquele primeiro encontro – possa ser vista como uma representação de um relacionamento complexo, Millington sugere que havia ideias maiores em jogo. “Quando a politicamente engajada Maar conheceu Picasso, suas visões de esquerda tiveram um impacto significativo nele […] trabalhar; e assim é através desta lente que devemos olhar para a Mulher Chorando. Também devemos levar em conta sua célebre pintura, concluída apenas algumas semanas antes, Guernica.” Maar, que documentou a pintura da obra-prima antiguerra de Picasso em uma série de fotografias reveladoras, também foi a modelo para a mãe enlutada na extremidade esquerda da tela.
Weeping Woman foi pintado uma semana depois, com Picasso trabalhando “freneticamente” para completar sua “exploração sobre o tema do sofrimento humano”. Maar diria mais tarde que todos os “retratos de mim” de Picasso são mentiras. Nenhuma é Dora Maar”.
Elizabeth Siddall
Millington desmascara uma série de mitos sobre Elizabeth “Lizzie” Siddall, a musa imortal da famosa pintura de John Everett Millais, Ophelia (1851-52). “Siddall foi explorada, ou ela abraçou o papel de musa da Irmandade Pré-Rafaelita (incluindo mais notavelmente seu marido Dante Gabriel Rossetti)?”, pergunta o autor. Não foi apenas sua aparência ruiva que levou os artistas a pintá-la. “A modelo influenciou as múltiplas parcerias que ela firmou com seu profundo conhecimento e interesse em arte e literatura, escrevendo sua própria poesia e pintura”, escreve Millington.
Enquanto isso, em seu ensaio feminista, The Role of the Artist’s Muse (2008), Germaine Greer escreve que “uma musa é tudo menos um modelo pago” – usando o termo como um eufemismo para o trabalho feminino não remunerado. Millington refuta isso, argumentando que “no caso de Siddall, isso está longe de ser verdade; por seu compromisso com os pré-rafaelitas, ela foi bem paga. Inicialmente, ela era modelo em meio período ao lado de seu trabalho em uma loja de chapéus, mas com o tempo, ela transformou o “musedom” em uma carreira lucrativa por conta própria.”
Juan de Pareja
“Em 1650, o pintor espanhol (Diego) Velázquez exibiu um retrato extraordinário na exposição anual de arte no Panteão de Roma. Retratado da cintura para cima, diante de um fundo sombrio, um digno homem afro-latino orgulhosamente segura um braço sobre o peito”, escreve Millington. Mas há mais nesse “muso” do que aparenta: “algum tempo depois de 1631, De Pareja ingressou no estúdio do pintor espanhol como seu assistente escravizado”, acrescenta o autor. Então, por que o artista representou De Pareja com tanta seriedade? Talvez Velázquez tenha reconhecido os paralelos entre eles, diz Millington. “Assim como seu assistente de estúdio trabalhava para ele, Velázquez existia em deferência à família real, fornecendo-lhes retratos lisonjeiros.” (O artista foi pintor da corte do rei Filipe IV.)
Depois de 1654, quando Velázquez concedeu a liberdade ao escravizado, De Pareja tornou-se retratista, retratando o arquiteto José Ratés Dalmau e até a realeza na forma de Filipe IV.
Frida Kahlo
“Nunca pensei em pintar até 1926, quando estava na cama por causa de um acidente automobilístico”, Frida Kahlo explicou certa vez a seu marchand Julien Levy. A artista mexicana é famosa por seus autorretratos, voltando o olhar para dentro e ao mesmo tempo exibindo seu corpo agredido pela poliomielite infantil e possivelmente espinha bífida, além de um brutal acidente de ônibus aos 18 anos que quebrou sua coluna vertebral e vários ossos, o que levou Kahlo a ter sua perna amputada.
Com a ambição de ser médica frustrada, Kahlo, que estava “entediada pra caramba na cama”, roubou tintas a óleo do pai e “começou a pintar”. Os autorretratos de Kahlo – onde ela efetivamente desempenha o papel de sua própria musa – muitas vezes expõem o trauma que seu corpo sofreu com uma intimidade que é difícil imaginar ser alcançada ao retratar outra pessoa. Em Henry Ford Hospital (1932), pintado logo após um aborto espontâneo, Kahlo está nua em uma cama de hospital, suja de sangue e um cordão umbilical preso a um feto e outros objetos ao seu redor. Além de pintar parte da obra “à maneira clínica de uma ilustração médica, Kahlo também narra suas experiências subjetivas como paciente”, escreve Millington. No chão está uma orquídea roxa, refletindo uma flor que o marido de Kahlo, o pintor Diego Rivera, deu a ela, “enquanto acima de sua cabeça voa um caracol, que ela revelou mais tarde simbolizar a lentidão do aborto que ela sofreu”.
Doreen Lawrence
Uma das musas mais comoventes é Doreen Lawrence, cujo filho Stephen foi morto por uma gangue de jovens brancos em um ataque racista, não provocado, no sudeste de Londres, em 1993. Lawrence inspirou a representação de Chris Ofili de 1998; uma mulher negra chorando lágrimas azul-claras, usando um colar feito de esterco de elefante. Ofili diz no livro: “Esse garoto foi morto por racistas brancos… a imagem que ficou na minha mente não era apenas sua mãe, mas tristeza, tristeza profunda, por alguém que nunca mais voltará. Lembro-me de terminar a pintura e cobri-la, porque era muito forte.” Ofili inscreveu as palavras “R.I.P. Stephen Lawrence” sob as camadas de tinta e esterco.
Millington argumenta que com No Woman, No Cry, Ofili explode um tropo: “o da Mulher Negra Forte ou Furiosa, popularizado em filmes e programas de TV”, como Mammy, a escrava doméstica em E o Vento Levou.
Fonte: Gareth Harris e José da Silva
